Arte y diseño de la mano en "Project Room - Cabinet Bauhaus"

El showroom de Vitra en Madrid (Padilla, 21) acoge del 10 de septiembre al 15 de octubre Project Room - Cabinet Bauhaus, el último proyecto de Catalina D’Anglade Art con el que rinde homenaje a la revolucionaria escuela a través de una colección de piezas creadas por cuatro destacados artistas en un diálogo entre la creación artística y el diseño funcional.

La diseñadora y coleccionista Catalina D’Aglade continúa teniendo puentes entre los mundos del diseño y el arte. Tras la presentación en la última edición de ARCOmadrid del III Premio de Arte Catalina D’Anglade, otorgado al artista Luis Gordillo, D’Anglade presenta un nuevo proyecto, Project Room - Cabinet Bauhaus, que se dará a conocer el próximo 10 de septiembre en el showroom de Vitra en Madrid (Padilla, 21), coincidiendo con la inauguración de la nueva temporada del Arte en Madrid. La exposición permanecerá abierta al público hasta el 15 de octubre.

Comúnmente entendemos por cabinet la idea de gabinete, consultorio e incluso de oficina entorno a la cual se congregan varias personas. Aunque también remite a la idea de mobiliario, un pequeño aparador o armario con puertas, dúctil y funcional, donde suelen guardarse las cosas de menaje en una casa. Un mueble versátil que fue, además, muy versionado durante la Bauhaus hasta convertirse en estandarte de la vida moderna.

Bajo esa idea de pequeño mueble articular asociado a los enseres domésticos, Catalina d’Anglade ha seleccionado a cuatro artistas, con el asesoramiento de la crítica de arte y comisaria Bea Espejo, para que cada uno de ellos, según sus técnicas y lenguaje, conciban objetos inspirados en los principios de la Bauhaus, con los que rendir homenaje a esta escuela experimental coincidiendo con su centenario. Los artistas son Guillermo Mora, Núria Fuster, Karlos Gil y Leonor Serrano Rivas, cuatro nombres fundamentales de la escena del arte emergente internacional.

La firma suiza de mobiliario de diseño Vitra se suma a esta iniciativa acogiendo las obras en su espacio en una exposición abierta al público. Desde sus comienzos, Vitra se ha caracterizado por la edición de piezas creadas por diseñadores de renombre internacional, con nombres como Charles Eames, Jean Prouvé, Frank Gehry, los hermanos Bouroullec o Zaha Hadid. Sus colaboraciones están basadas en una sutil síntesis de libertad artística, conocimiento de la producción y competencia industrial. Su fuerte vínculo con el mundo del arte queda patente en el Vitra Design Museum, una institución dedicada a la investigación y la presentación del diseño, y que explora a través de exposiciones su relación con la arquitectura, el arte y la cultura cotidiana.

GUILLERMO MORA (Madrid, 1980). Su propuesta titulada Punto y línea sobre tabla, expande su pintura a un mantel de lino sobre el que traslada las tres formas básicas de la Bauhaus –triángulo, círculo y cuadrado–, así como los tres colores puros. Un juego de formas que se multiplican en las servilletas traslando la geometría a la informalidad propia de una reunión en torno a una mesa.

No está lejos de la idea que hay entre su pintura expandida a campos como la escultura o la instalación, que desde Madrid, donde tiene su estudio y campo de operaciones, se mueve entre dualidades, entre lo medido y lo improvisado, lo lúdico y lo físico, buscando una respuesta incómoda sobre el lenguaje de lo pictórico.

Mora es Licenciado en Bellas Artes por la UCM y por The School of the Art Institute of Chicago. Posteriormente obtuvo una beca de Posgrado de la Fundación La Caixa. Ha sido incluido en 100 Painters of Tomorrow d e Thames & Hudson y obtenido el Premio CA2M Comunidad de Madrid (2017), el II Premio Audemars Piguet (2014), el Premio Generaciones 2013, la Beca de residencia en el International Studio & Curatorial Program (ISCP) de Nueva York en 2016 y la Beca de la Real Academia de España en Roma en 2010–2011. Su obra se ha expuesto, entre muchos otros, en  Galería Moisés Pérez de Albéniz, Madrid; La Casa Encendida, Madrid; Galería Casa Triângulo, São Paulo;  o Extraspazio, Roma. Su obra forma parte del Museo Voorlinden (The Caldic Collection), Holanda, The Margulies Collection at the Warehouse, Miami (EEUU), CA2M, Centre d’Art La Panera o la Colección DKV.

NURIA FUSTER (Alcoi, 1978) llama a su lámpara Bubblehaus uniendo dos ideas: tanto la filosofía de la Bauhaus como la teoría de las esferas de Peter Slöterdijk, lectura que acompaña sus últimas obras. Una lámpara de mesa que establece una conexión entre lo industrial y lo cósmico. Su forma esférica genera un juego de eclipses lumínicos y órbitas rotativas que nos conectan con lo más esencial y básico: el cosmos. En un sentido funcional, permite colocar el pato de metal más grande delante de la bombilla, evitando una exposición directa de la luz y pudiendo direccionarla a nuestra voluntad. Los dos círculos de plancha de hierro quedan suspendidos en equilibrio, generando un juego cinético en el espacio. El eje central es rotativo y sensible a cualquier movimiento que suceda alrededor e implicará un cambio de posición. En sí, es un objeto que se expande y participa activamente generando diferentes estados y trabajando la dimensión del Tiempo. Fuster trabaja indagando en las condiciones extremas de los objetos, tanto físicas como emocionales. Parece explorar cómo en cualquier relación bidireccional surgen situaciones de desorientación, de angustia o de necesidad, mientras busca en la escultura un lenguaje de mediación. La suya es una sinfonía de objetos que habla de dinámicas psíquicas, de la vida en un continuo estado de equilibrio.
 
Afincada en Berlín, Fuster es licenciada en Bellas Artes por la Universidad Politécnica de Valencia y en escultura por la Academia di Belle Arti de Roma. Su trabajo ha sido expuesto en galerías nacionales e internacionales como Marta Cervera Gallery, Madrid; Newman Popiashvili Galery, Nueva York; Hamish Morrison Galerie, Berlín, o Galerie Lange+Pult, Auvernier. Ha participado en exposiciones en centros como Musée des Arts décoratifs de París, Círculo de Bellas Artes de Madrid, MACUF, Domus Artium, Centre d’ Art Santa Mònica, Patio Herreriano, La Casa Encendida, MEIAC, Tabacalera, WUK de Viena, Centre del Carme de Valencia o The Ryder Projects de Londres.

KARLOS GIL (Toledo, 1984) propone una red difusa de conexiones, un collage hecho en el espacio tridimensional del lugar en el que expone y el tiempo de representación. A menudo, analiza y documenta la contingencia que existe entre el significado y el significante a través de su punto de vista de artista multidisciplinar.

Inspirado en el Ballet triádico desarrollado por Oskar Schlemmer, su propuesta titulada Ghost Whisper plantea dos objetos con estructura de jarrón que siguen, de forma análoga, el mecanismo del vestuario de Schlemmer. Dicha metodología sigue varios principios geométricos de síntesis formal tomando como punto de partida seis fragmentos de jarrones de diferentes épocas históricas. Cada uno de ellos ha sido diseñado individualmente y puede ser combinado con otras dos partes para generar una composición diferente, jugando con el esmaltado de los jarrones. Una metodología que fue usada por el artista en la instalación In Every Room there is a Ghost of Time (2012), hoy en la colección del CA2M de la Comunidad de Madrid.

Gil estudió en la School of Visuals Arts de Nueva York y en la Facultad de Bellas Artes de Madrid y Lisboa. Desde 2008 ha mostrado su trabajo en exposiciones individuales y colectivas en numerosas galerías y centros de arte de España y del extranjero, en centros como el CA2M, Madrid; W139, Ámsterdam; CareOf, Milano; Galeria Francisco Fino, Lisboa; Fondazione Baruchello, Rome; Fundación Botin. Santander; MARCO, Vigo; Moscow Museum of Modern Art (MMOMA), Moscow; o Junefirst Gallery, Berlin. Su obra está presente en los fondos de Matadero, Madrid; C arte C, Madrid; Junta de Comunidades de Castilla-La Mancha y Ayuntamiento de Madrid. Ha recibido numerosos premios, entre ellos, el Prémio Paulo Cunha e Silva (2916), el Premio Generación 15 de La casa Encendida (2015), el Premio de la Fundación Botín (2014).

LEONOR SERRANO RIVAS (Málaga, 1986) sigue los principios que fundaron los muebles de la Bauhaus para su propuesta de una jarra de vidrio. Esta arquitecta de formación, nacida en Málaga en 1986, lleva años instalada en Londres y se ha servido de la instalación como medio a la hora de generar otro espacio que ella llama “el del ensayo”, un espacio paralelo que por un instante reemplaza a la vida cotidiana planteado como puesta en escena para el desarrollo de otras experiencias posibles. Su propuesta se compone de dos partes. Por un lado, hay una pieza de vidrio que se realiza de forma artesanal usando la técnica del vidrio soplado de modo que todas las bases de vidrio son distintas. En sus múltiples versiones, cada una tiene uno de los colores primarios haciendo un guiño a la ideología de la Bauhaus: amarillo, azul y rojo. Por otro lado, encontramos un caparazón de hierro, una pieza seriada y estandarizada que sirve a su vez de abrazadera adaptable a las diferentes bases de vidrio y como contrapunto a esa primera mirada a la artesanía.

Serrano Rivas estudió Arquitectura en la Universidad Europea de Madrid y Bellas Artes en la misma universidad. Realizó un máster en Bellas Artes en Goldsmith’s University y actualmente realiza su doctorado en Slade School of Fine Art, UCL (Londres). Su obra ha podido verse en centros como Serpentine Galleries, Londres; ICA, Londres; E-Werk Freiburg, Friburgo; Bluecoat Gallery, Liverpool; Sala Santa Isabel, Sevilla; Galería Marta Cervera, Madrid; EspaiDos, Sala Muncunill, Terressa; COAM, Madrid; CentroCentro, Madrid; La Casa Encendida, Madrid; Tabacalera o Espacio Promoción del Arte, Madrid. Entre los premios recibido, destacan la Beca Internacional de Artes Plásticas de la Fundación Botín (2016), el Premio de arte joven Solán de Cabras ARCOmadrid 2016 o el Premio Generación 2014 de la Fundación Caja Madrid.

En portada: Jarra Bauhaus creada por Leonor Serrano para Project Room - Cabinet Bauhaus