El proyecto Solo Show surge de la iniciativa de establecer una plataforma dedicada a espacios locales independientes de Barcelona. Esta propuesta se plantea como una exploración en torno a la identidad propia y las nuevas formas de trabajo desde una perspectiva colectiva en la presentación de exposiciones individuales. En colaboración con la Fundació Vila Casas, este proyecto no sólo pretende promover el talento artístico local, sino también el de nuevas figuras emergentes en el ámbito del comisariado.
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En esta edición, el proyecto se amplía aún más, buscando establecer un diálogo con la participación de un territorio y comisario invitados. En este caso será la ciudad de Taipei, estableciendo un encuentro con Barcelona a través de 8 propuestas, 4 de cada lugar, bajo el comisariado de Yipei Lee (Taipei) y Carla Jaria (Barcelona).
Bajo el evocador título «El color azul de mi cielo», se propone un concepto que explora los medios de comunicación y los contextos sociales desde la perspectiva de la «Redistribución», lo que implica una reinterpretación de las relaciones de poder. La integración de factores económicos, sociales, políticos y culturales genera una correlación directa que conduce a la deconstrucción de los discursos y a la «redefinición de lo práctico» en aras del pensamiento artístico. Este proceso de deconstrucción del discurso implicará juicios de valor, perspectivas de visión y niveles de intimidad en la interacción.
Las 8 propuestas reflexionarán sobre la noción de identidad colectiva, haciendo uso de materiales, narrativas y escenarios cotidianos. Los artistas generan dislocaciones visuales y conceptuales en torno a la cotidianidad del cuerpo, la arquitectura y el paisaje. Al introducirlos en un nuevo entorno simbólico y social con sus propias lógicas, nos invitan a pensar en formas resistentes de habitar la contemporaneidad. El filósofo alemán Björn Kraus, desarrollador de la epistemología constructivista, define el mundo vital como la construcción subjetiva de la realidad que una persona se forma bajo las condiciones de su entorno vital.
Asimismo, generando diálogos entre ambos territorios sobre nociones nucleares de preocupaciones compartidas, los artistas presentan intersecciones sobre los medios de comunicación y la lógica de las acciones estandarizadas -Toni Crabb y Fu Wan-Ting-, la representación de la vida cotidiana a través del cuerpo -Fabià Claramunt y Ho Chan-, los sistemas de organización -Estanis Comella y Kuo-Wei Lin- o la construcción de la historia y los relatos contemporáneos a partir de la imagen -Oscar Holloway y Wu Chan-Lun-.
Una exposición de arte colaborativo es como una pausa en el espacio-tiempo; una heterotopía, como introduciría Michel Focault en 1966 para referirse a aquellos espacios, físicos o mentales, que funcionan en condiciones no hegemónicas: son mundos dentro de otros mundos o incluso contraespacios que reflejan y a la vez alteran lo que está fuera. Uno de los principios de la heterotopía, precisamente, es el de la desviación, que apela a aquellos comportamientos individuales diferentes a los establecidos por la norma. Explorando tanto la «Redistribución» como la «Desviación», este programa comisariado dentro de SWAB, abre vías para observar, cuestionar y desfigurar el tejido de afirmaciones y lógicas incrustadas en nuestro cuerpo social.
«El color azul de mi cielo» explora cómo los artistas de Barcelona y Taiwán transforman su conocimiento de los medios y las imágenes, rompen los patrones narrativos convencionales y construyen mutuamente un mundo de vida con sus propias prácticas perceptivas mientras participan en el proceso de modernización. Al mirar de cerca las obras, el peso del soporte, la composición de los objetos y la luz del material dispararán la profundidad de nuestra sensación. En otras palabras, los Mundos Vitales de los artistas no sólo permiten al público reflexionar sobre el símbolo y la estructura que hay detrás de las obras, sino que también nos permiten apreciar el valor independiente del lenguaje del arte y su colisión con el futuro.
Expositores:
Barcelona:
Raccoon Projects
Halfhouse
espai19
FASE
Taipei:
EQUAL
SHISHISHI
SUAVEART
SS SPACE SPACE
VIDEO BOX 2024
Intimacy: the moments of social skin
El antropólogo Terence Turner acuñó el término «piel social». Abarca desde adornos, peinados, maquillaje, encubrimientos, ropa, tatuajes, piercings y arañazos, hasta el culturismo o el adelgazamiento, el desarrollo muscular y la cirugía estética. Ya sea natural o artificial, extrema o aparentemente caprichosa, la piel social es significativa de los tiempos que vivimos y siempre está influida y representada por la socialización del comportamiento humano.
En conclusión, como demuestra la exposición titulada «Intimidad: Los momentos de la piel social', nuestra sociedad es un rico tapiz tejido con los diversos hilos de distintas generaciones, cada una de las cuales refleja dimensiones únicas de interacción social e identidad. A pesar de coexistir en un entorno vasto e interconectado, a menudo somos incapaces de comprenderlo en su totalidad. Sin embargo, esta misma incompletitud es un aspecto integral de la belleza de la sociedad, ya que encarna el intrincado ritmo de la existencia y la interacción humanas.
Dentro de esta intrincada red, las imágenes sirven como valiosos artefactos de lo que podríamos denominar «tipología futurista», capturando no sólo momentos congelados en el tiempo, sino también insinuando las posibles trayectorias de nuestro futuro colectivo. Mediante el uso narrativo de las imágenes de vídeo, los artistas taiwaneses que participan en esta exposición ofrecen una conmovedora visión de los matices del desarrollo regional y mundial, especialmente en los ámbitos del pluralismo y el estatus social.
A medida que nos acercamos a estas representaciones, nos encontramos cada vez más inmersos en la autenticidad que transmiten, forjando conexiones más profundas con las realidades que retratan. De este modo, al dar testimonio de estos momentos cruciales, retratarlos y conmemorarlos, contribuimos a una comprensión más rica de la compleja interacción entre los individuos, las sociedades y los paisajes en evolución de nuestro mundo compartido.
Artistas participantes:
Chen Chien-Jen
Wu Chi-Tsung
Hsu Che-Yu
Ciwas Tahos (Anchi Lin)
CHEN CHIEH-JEN
A Field of Non-Field, 2017
Medio: Vídeo monocanal
Duración: 61’07”
Bajo el desarrollo de la competencia financiera y el capitalismo tecnológico, que ha desarrollado una manipulación global más penetrante que las anteriores formas de gobierno, no sólo se está reduciendo a más gente al estatus de trabajadores despachados bajo el «encarcelamiento global y el exilio local», sino que también es más difícil abrir la estructura de deseos, la estructura sensorial y la forma de pensar de las sociedades contemporáneas que han sido englobadas y penetradas por la tecnología de manipulación global de la era post-internet. Esto sitúa la supervivencia de las sociedades contemporáneas en el campo de batalla de unos contra otros.
«¿Hay otra salida para los seres humanos? En respuesta a esta difícil pregunta, para la que no es posible una respuesta sencilla, el artista replantea el tema del «vacío» en «Zhongguang Xue», creado por Avalokiteshvara, y pone en práctica el método de la «Vía Media» con su espíritu de multidialecticismo. Para encarnar y practicar cómo establecer otras epistemologías, modos de pensar y valores de vida en un mundo abarcado y penetrado por la tecnología para cambiar cualitativamente el modo de vida. Esta es una de las formas de cambiar cualitativamente la tecnología de manipulación global.
Wu Chi-Tsung
PERSPECTIVE VIDEO, 2008
Medio: Vídeo monocanal
Duración: 06’07”
El eje central de su trabajo creativo siempre ha sido el debate sobre la naturaleza real de las imágenes, cómo se producen, cómo las perciben los espectadores y el impacto que tienen. Sin embargo, la forma en que lo lleva a cabo nunca ha sido especialmente disciplinada o científica, sino más parecida a un juego. A veces experimenta con una sola pieza, o intercambia algunos de los elementos para ver qué cambios provoca en la creación de imágenes y si hay algo de interés oculto en ellas.
Gran parte de la profundidad de la ilusión que crean los cuadros o las imágenes procede del punto único de perspectiva. En otras palabras, todas las líneas rectas que no son paralelas a la imagen desaparecen en algún punto en la distancia, casi como si el espacio fuera absorbido por un agujero sin fondo. Fue este punto de vista el que le hizo preguntarse cómo sería el mundo visible si no hubiera ningún punto de fuga.
''Supongo que sería muy plano''.
Hsu Che-Yu
RABBIT 314, 2020
Medio: Vídeo monocanal
Duración: 7’17”
Un titiritero de guante reinventa y recrea los movimientos de un conejo muerto, que acabó su vida en un laboratorio. Rabbit 314 cuestiona la manipulación y apropiación de los animales por parte de los humanos. El proyecto se inició con la muerte de un conejo de laboratorio y se inspiró en los recuerdos familiares de la artista. La abuela de la artista trabajó en un laboratorio de animales durante treinta años, durante los cuales, debido a la particularidad de su trabajo, tuvo que diseccionar animales vivos para su observación y experimentación.
Ciwas Tahos (Anchi Lin)
Pswagi Temahahoi, 2022
Medio: Vídeo monocanal
Duración: 12’00” Edición:1/4
Pswagi Temahahoi conecta diferentes métodos de imaginación artística para explorar el espacio de Temahahoi; se trata de la narración oral entre los Atayal de un lugar donde sólo viven mujeres y personas no conformes con su género que pueden comunicarse con las abejas y quedar impregnadas por el viento. Esta obra de vídeo combina documental y performance audiovisual para tejer una pieza híbrida de videoinstalación.
El documental sigue el camino recorrido por el anciano atayal Yumin, que utiliza una técnica llamada pswagi, empleando la luz solar como herramienta para localizar las colmenas de abejas silvestres y también como forma de encontrar Temahahoi, junto con una pieza de performance escenificada con un instrumento de cerámica inventado y ensamblado por él mismo, el viento (aliento) que sopla de los cuerpos queer entra en el instrumento de cerámica sin género para reubicar el espacio fluido de Temahahoi a través del sonido.
En portada: Hojan. SS SPACE SPACE
Fuente: Swab Barcelona
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